Il secondo weekend del Coachella, 17, 18 e 19 aprile 2026, non è stata una replica, ma la sua forma più consapevole, quella in cui tutto ha preso davvero senso. A Indio, nel cuore della California, ciò che nel primo weekend era sorpresa diventa visione, quello che era istinto si trasforma in controllo. Gli artisti tornano sul palco con più lucidità, più sicurezza, quasi a voler riscrivere il proprio set e il pubblico, invece, arriva già preparato, ma con una fame diversa, più profonda e anche più esigente.

È il momento in cui ogni dettaglio si affina, in cui gli errori spariscono e resta solo l’identità. Tutto è già successo ed è proprio per questo che può succedere meglio. Ed è qui che il Coachella smette di essere solo un festival e diventa qualcosa di più, un linguaggio condiviso, un immaginario che si costruisce in tempo reale, una memoria collettiva destinata a restare.

Il 2° weekend del Coachella

Nel mezzo di questo equilibrio tra controllo e spontaneità, il secondo weekend ha regalato alcuni dei momenti più forti dell’intero festival, quelli che non restano solo nella scaletta, ma nella memoria collettiva. Il ritorno di Madonna è stato uno di questi. Vent’anni dopo la sua ultima apparizione al Coachella, è tornata su quel palco con una presenza che non ha bisogno di spiegazioni. Ospite di Sabrina Carpenter, è stato un incontro che ha funzionato come una linea temporale viva.

Il medley di Vogue, un nuovo brano inedito e Like A Prayer è stato un gesto simbolico. Un passaggio di energia tra generazioni, in cui il passato non pesa ma amplifica. E poi c’è stato quel momento che il Coachella sa costruire meglio di chiunque altro, imprevedibile, emotivo, quasi impossibile da scrivere.

Justin Bieber ha riportato sul palco la One Less Lonely Girl, ma questa volta la narrazione è cambiata completamente. La “fan” scelta era Billie Eilish. Un cortocircuito perfetto. Una fantasia adolescenziale che si materializza davanti a migliaia di persone. Billie, sorpresa, quasi spaesata, viene accompagnata sul palco mentre Justin le canta attorno con la stessa intensità degli inizi.

Quello che succede dopo non è costruito. È reale. Le emozioni prendono il sopravvento, fino alle lacrime. Fino a lasciarsi andare completamente, accasciandosi a terra alla fine del brano. Justin la rialza, la abbraccia, sussurra poche parole. E in quel momento il festival si riduce a una cosa sola, due persone, una storia, un cerchio che si chiude. Perché quel cerchio era iniziato proprio lì, nel 2019. E adesso, sette anni dopo, torna a compiersi.

Genesi: “È un traguardo, ma anche l’inizio di qualcosa”

Abbiamo intercettato e intervistato Genesi, mentre si trova ancora in California, nel pieno di quell’energia sospesa che solo il Coachella riesce a generare. Sul palco dello Yuma Stage, Genesi ha trovato la sua dimensione più autentica. Genesi è uno di quei nomi che stanno attraversando una fase precisa, quella in cui la crescita non è più promessa, ma realtà. E il Coachella, in questo senso, segna un punto chiave.

“È un vero traguardo”, racconta. “È il momento in cui ti rendi conto di aver lavorato nella direzione giusta fino ad ora.”

Ma non è solo un punto di arrivo. È anche una spinta.

“Allo stesso tempo, ti dà quella motivazione in più per continuare e fare meglio, senza limitarti a ripetere quello che hai già fatto.”

Questa tensione tra conquista e futuro è ciò che definisce davvero il suo momento. Anche perché, come ammette lui stesso, non se lo aspettava così presto:

“Non mi aspettavo che succedesse così presto nella mia carriera. Abbiamo fatto il nostro primo tour negli Stati Uniti solo un anno fa, quindi siamo davvero entusiasti di questa crescita.”

Il suo percorso è chiaramente internazionale, quasi disallineato rispetto alla scena italiana. Ma il legame con le sue radici non si è mai spezzato.

“È vero che sono spesso in viaggio, quindi a volte può sembrare distante. Ma ogni volta che torno in Italia è qualcosa di davvero speciale. Non importa quanto tempo passi all’estero: l’Italia resta il posto in cui mi sento più a casa al mondo.”

C’è un elemento, però, che resta sempre centrale. E non cambia, anche quando tutto intorno evolve.

“Per me si torna sempre alla musica. Non importa quanto lo show diventi visivo o grande: è il suono che deve guidare tutto e sostenere l’esperienza.”

Una dichiarazione quasi controcorrente, in un’epoca in cui l’elettronica si muove sempre più verso l’impatto visivo.

“Il resto serve a supportarlo, ma il focus deve restare sulla musica stessa e sulle emozioni che crea nelle persone.”

E poi c’è il momento più fragile, quello che precede tutto, il primo passo sul palco.

“È stato estremamente surreale”, racconta. “E poi molto rapidamente si è trasformato in concentrazione ed entusiasmo per suonare.”

Perché il  Coachella è un’idea, prima ancora che un luogo. Ma quando ci sei dentro, cambia tutto.

“Avevo visto tanti video e foto, quindi avevo un’idea. Ma esserci davvero è qualcosa di completamente diverso, soprattutto da artista.”

E alla fine, più di tutto, resta ciò che non si può programmare.

“Sicuramente l’energia delle persone. Si percepisce davvero quanto sia positiva, ed è come se fosse un momento speciale per tutti. Sei circondato da tantissima ispirazione.”

Giovanni, Genesi, oggi è esattamente in quel punto in cui il percorso prende forma. E questo Coachella, soprattutto nel secondo weekend, sembra aver reso tutto definitivo.

Foto di Nicolò Jason Malaguti

Anyma: visione e suono

Se Genesi rappresenta il ritorno all’essenziale, Anyma incarna l’espansione totale del linguaggio elettronico. Il secondo weekend del Coachella 2026 è stato il momento in cui la sua visione ÆDEN ha trovato finalmente spazio per esistere nella sua forma completa, dopo che il vento aveva cancellato il primo tentativo. E questa attesa ha reso tutto ancora più significativo.

Non è stato un semplice set. È stata una costruzione. Ventidue tracce, un’ora di performance, una narrazione che si sviluppa in tempo reale tra suono e immagine. Il palco dell’Empire Polo Club si trasforma in un ambiente vivo, angeli cyborg che emergono dal buio, statue classiche che si sgretolano, architetture digitali che si muovono insieme alla musica.

L’apertura con Æden è un ingresso in un universo preciso, quasi mitologico. Poi Ritual, e una sequenza di ID inediti che costruiscono tensione, rilascio, continuità. Ma il vero punto di svolta è la sincronizzazione totale tra audio e visual. Non c’è separazione. Ogni elemento visivo risponde alla musica in tempo reale, trasformando il set in qualcosa che somiglia più a un’opera audiovisiva che a una performance da DJ. Gli ospiti live non sono semplici featuring, ma momenti narrativi.

Matt Bellamy entra in scena per Carrier Of Souls, portando una dimensione rock, quasi epica, sopra una base techno profonda.

LISA genera una delle reazioni più forti della notte con Bad Angel.

E Joji chiude con Beautiful, lasciando il pubblico in uno stato sospeso, emotivamente fragile. Nel mezzo, momenti che parlano a pubblici diversi:

Turn On The Lights Again… con Future cattura l’attenzione immediata, il remix di No Good (Start The Dance) dei The Prodigy accende la memoria dei fan storici, mentre le voci di Rosalía ed Ellie Goulding mantengono il set in una dimensione cinematografica continua. Anyma non sta semplicemente evolvendo il live elettronico. Sta ridefinendo il modo in cui viene percepito.